A espaldas del Auditorio Nacional, el Centro Cultural del Bosque siempre ofrece opciones muy diversas para pasar un buen rato de teatro.
Son varios espacios, hay pequeños, medianos y grandes, donde año con año convergen propuestas clásicas e innovadoras con un grupo de actores avalados por el INBA.
En un brevísima temporada, la sala Xavier Villaurrutia presenta en escena "Perro sin raza", comedia escrita por Ed Harris y llevada a escena por Fernando Rovzar.
La obra nos enfrenta a la monotonía, al hacer y deshacer diario con personas que no elegimos nosotros mismos y posiblemente en un sitio donde tampoco quisiéramos estar, pero debemos pagar cuentas, renta, etc.
María, Elvis y Juan son ejecutivos comandados por la Lic. Dulce.
Podemos vernos reflejados en escena en todo momento, cómo cuando el hartazgo se hace presente, el repudió a un compañero o las ganas ahogadas de responderle al jefe.
Es una obra que genera muchas risas, pero debajo de ellas, presenta situaciones de soledad, desamparo, tristeza y ausencia.
La historia va más allá, nos permite ver como en ocasiones el trabajo nos funciona como distractor de nuestra realidad, de nuestro entorno, de nuestros sentimientos.
María hará lo posible por cumplir una promesa a su padre.
Juan, el mayor, simplemente cumple su trabajo, respetando reglas y siendo el que menos exige, es quien representa tal vez lo peor que puede pasarnos en la vida, conformarnos.
Elvis, es el típico timido introvertido que guarda para sí, una cantidad de sentimientos y de irá contenida.
Dulce es la jefa, la estricta y la que a través del miedo, logra el "respeto" de sus subordinados. Descargando en ellos su irá y frustración.
Pipo es la señora de la limpieza, ese compañero silente que observa todo y de todo se entera.
Estos 5 harán que reflexionemos sobre lo que hacemos con nuestra vida, con lo que prometemos, con lo que realmente queremos hacer de nuestras vidas.
Nos enseña de manera divertida el modo en el cual, todo humano debe buscar su felicidad. Nada como hacer lo que más nos satisfaga.
Es, un gran ejercicio teatral, con un escenario estático y que permite adentrarnos en la trama antes de la 3a llamada.
El elenco por demás mencionar, esta genial. Empezando por el señor Hernán Mendoza como Juan, el grandote gruñón. Hernán siempre impregnando de personalidad cualquier personaje que le pone en frente.
Norma Angélica, una señora que hemos visto ya en diferentes obras de teatro y cine, lleva a cabo a Pippo, un personaje tierno, ella representa la esperanza.
Marianna Burelli es María, la chava que poco a poco va dejando de lado sus anhelos y esperanzas para sucumbir ante la monotonía.
Elvis esta representado por Mauricio Isaac, un joven que tiene grandes momentos en el escenario.
Por último y no menos importante, Rocío Verdejo, a quién recordarán por su participación en Matando Cabos, es Dulce, esa jefa elegante y con clase y que no permite que nadie se salga del corral. Ella representa la frustración.
Sin duda, una muy buena obra y gran montaje.
Hablando de cintas nominadas anoche fui a ver "Whiplash. Música y Obsesión" en entrada, y espero un buen amigo me aclare esto de una vez, ¿porque insisten en titular las películas así?
Poco faltó para que la llamarán: "Whiplash y el maestro malo que molesta al baterista"
Bueno, dejando de lado el título, esta cinta cuenta con 5 nominaciones al Oscar. Mejor Película, Mejor Guión Adaptado, Mejor Edición, Mejor Mezcla de Sonido y Mejor Actor de Reparto para J.K. Simmons.
La historia es sobre un chico de 19 años que estudia música, es baterista y la historia se centra en la relación que tiene con Terence Fletcher, un maestro y director de Orquesta quién goza de prestigiosa fama.
Este visionario ve en Andrew, nuestro protagonista, como un candidato viable a convertirse en un ícono de la música y a través de métodos poco ortodoxos exhorta al alumno a dar todo de sí.
Milles Teller encarna al joven baterista Andrew, con esa ilusión en la mirada y esa obsesión (¡ah! por eso el nombre, mira que bien...) por demostrar que es el mejor al momento de situarse frente a una batería. Andrew representa la esperanza y la lucha por lograr un objetivo, dejando de lado su vida personal, sentimental y hasta su integridad física.
A Teller lo hemos visto a lado de Nicole Kidman en Rabbit Hole y Divergente, entre otras y pronto lo veremos siendo uno de los "4 Fantásticos" como el flexible Reed Richards.
Si algo es seguro el próximo 22 de febrero, es que este veterano actor llamado J.K. Simmons, a quien todos hemos visto alguna vez en series y en cualquier cantidad de películas, siendo más reconocido, hasta antes de Whiplash, por su personaje del Sr. Jameson en Spider Man, se llevará su primera estatuilla en su primera nominación.
A sus 60 años, Simmons lleva ganados 30 premios por su actuación en esta cinta, es el candidato absoluto para llevarse a Oscar a su casa como Mejor Actor de Reparto.
Y no se trata de un premio por homenaje a su carrera, no. El señor Simmons hace un papel que si bien en un inicio lo pintan de malo maldito malvado, a casi mitad de la cinta llega una de las escenas por las cuales, convence hasta al más escéptico, una parte donde muestra su vulnerabilidad y por un momento baja la defensa.
Siento que esta bien centrado el tema de la película, no divagan en historias paralelas, va directo al grano.
Por un momento, pensé que comenzarían a enfocarse en el drama familiar o a la vida amorosa del joven, pero las escenas son cortas y pocas, justo para demostrar que lo importante se centra en la música.
Las ejecuciones de Andrew y la pasión que imprime Fletcher se transmiten de manera directa al espectador.
Para mi, lo mejor es el lenguaje no hablado entre estos dos personajes.
Las miradas entre ellos, dicen más que mil palabras y por ello es más loable la actuación de Simmons porque transmite más allá de alzar la voz o de hacer movimientos bruscos.
Me gustó el ritmo de la cinta, aunque no sepamos de Jazz, la energía y la melodía llegan al público y nos hace sentir. Sin caer en melodramas, ni llantos, ni berrinches.
Aunque hemos cintas con el mismo desarrollo como Billy Eliot o El Cisne Negro, con sus debidas diferencias, el objetivo es el mismo, ver en alguien la posibilidad de lograr lo que ni esa persona cree capaz de llevar a cabo y afortunadamente, estas películas logran de manera creíble su objetivo: Transmitir pasión por lo que hacen.
Muy diferente a las otras cintas nominadas a Mejor Película, considero que con sólo las nominaciones y el Oscar del profesor, la cinta ya llego más allá de lo pensado.
En víspera de las entregas de premios de cine a lo más destacado de acuerdo a Hollywood, las películas nominadas comienzan a recibir mucha atención.
En ocasiones los integrantes de los premios de la Academia premian a quienes les caen bien o desean beneficiar dando impulso a su carrera, sin ser tal vez, lo mejor de ese año, también dan pie a que algunas cintas de pocos recursos y con nuevas propuestas se abran camino y hagan que los ojos del mundo volteen a ver su trabajo.
Y bueno, como siempre, nadie quedará conforme con los premios, ya sea por favoritismo hacia un actor/director o porque una película no le agrado del todo.
Una cinta que logró 8 nominaciones y que no favorece a la egolatría de nadie es "The Imitation Game" (El Código Enigma), que se postula para las categorías más importantes.
Mejor Película, Mejor Actor, Mejor Actriz, Mejor Director y Mejor Guión Adaptado.
Este juego de imitación nos cuenta la historia de Alan Turing un matemático que ayudo de manera secreta al gobierno británico durante la 2a guerra mundial.
Alan juntó con un equipo de la más alta inteligencia de la época, buscan descifrar los mensajes encriptados que revelan los detalles de los próximos ataques nazis.
Esté matemático nombrado como el inventor de la computación, obtuvo un papel fundamental en la victoria de esta terrible guerra, tras descifrar dichos códigos.
Pero no todo fue victoria, este genio fue condenado por su orientación sexual, forzado a tomar medicamentos para evitar su inclinación, falleciendo un par de años después sin reconocimiento alguno.
Apenas en el 2013, la Reina Elizabeth II hizo un homenaje póstumo a Alan Turing dandole el perdón y haciendo pública la ayuda que dio, no sólo a la guerra sino al aparato sin el cual el mundo es inconcebible hoy día, la computadora.
Sin duda, el noruego Morten Tyldum apoyado de una muy buena adaptación, logra recrear ese momento histórico y secreto, develando como Alan hizo lo imposible y peleó con quien se le puso enfrente, con tal de lograr lo que en un principio sólo él creía posible.
Me parece loable que a pesar de hablar de la guerra, las escenas que nos presentan este suceso son más bien biográficas y de apoyo, este suceso no es lo protagónico en la cinta.
Benedict Cumberbatch logra un papel que me recuerda a Rusell Crowe en "Beautiful Mind", un genio limitado por su propio cuerpo.
Una mente que nadie entiende, como siempre ha sucedido en la historia de la humanidad.
Benedict recrea a Turing de tal modo, que no parece que este actuando, pareciera que el nominado al Oscar por esta interpretación es así. No sé nota forzado en ningún momento y tampoco, deja de tener consistencia el personaje.
La mirada, las manos, el tono de voz, esa mezcla de arrogancia y timidez hacen un personaje entrañable.
Junto con Benedict, está también nominada Keira Knightley, esta hermosa que hemos visto en muchísimas películas, unas buenas y otras de dudosa calidad, personifica a Joan, una mujer matemática y la única que forma parte del equipo "Enigma".
La recreación de Keira esta bien, es creíble, aunque para mi gusto, no era para la nominación a la que es poseedora.
El resto del elenco, dentro de sus personajes y bien, sin más mérito.
El ritmo de la cinta, donde nos presenta el pasado, presente y futuro de Alan.
Un futuro frustrado por la intolerancia y la ignorancia de la época y donde al parecer, hasta la fecha ha sido tema de escándalo en la Gran Bretaña, ya que algunos dicen que no se le debe dar el perdón porque en esa época ser homosexual era crimen, y que sólo lo hacen porque es alguien reconocido. Triste y cruel verdad.
Muy recomendable porque hablando del tema gay, no cae en estereotipos, no hay escenas ni insinuaciones, es algo que maneja bien el director, ya que se habla del tema pero no hay morbo en ningún momento y la inclinación sexual de una persona definitivamente no la limita, como este caso.
La verdad, no esperaba ver la buena cinta que vi. Recomendable.
Aunque este espacio es principalmente para hablar de cine, otro oficio que me parece extraordinario y loable es el TEATRO.
Así, que me doy el permiso de hablar de las piezas teatrales que pueda ir a ver este año.
El domingo me regalaron un par de boletos para ir a ver: Mame: El Musical
Cabe mencionar que no he visto la la versión musical de Mame en cine es con Lucille Ball y Bea Arthur, ni pude ver la anterior puesta con la Sra. Pinal hace ya algunas décadas.
La historia habla de un niño que al quedar huérfano, su único pariente debe hacerse cargo de su educación y cuidado. El padre deja claras indicaciones sobre lo que será el futuro del niño.
Es cuando Patrick, el sobrino, conocerá a su tía Mame, una señora vivaracha, que vive la vida y sabe como divertirse, con dinero, fiestas y llena de amigos, alcohol y cero prejuicios. Vive en un lujoso apartamento en Nueva York.
El vinculo maternal y su modo de vida se mezclan, buscando hacer siempre lo mejor, a su modo, para la vida de Patrick. Quién entonces conoce todo tipo de personajes y emprende un viaje sin saber en que terminará el mismo.
La trama se pinta llena de momentos chistosos por parte de Mame y la adaptación del nuevo integrante a ese mundo. Un musical clásico lleno de canciones, bailes y música.
Pero, esta puesta en escena es un total absurdo.
Empecemos por el elenco:
De inicio sabemos que Itatí tiene de actriz lo que la mapacha de guapa.
No entiendo como le dan un papel estelar en un musical, en el cual debe representar a una mujer madura y simpática. Sé que la estaba ensayando Verónica Castro, que si bien no canta nada de nada, es por lo menos una señora con chispa y que cae bien.
Bueno, desgraciadamente Itatí no logra quitarse a Soraya de encima y además le queda enorme el papel. No es chistosa, no se ve "suelta" en escena.
Esta 2a temporada arrancó ya hace unos días y es increíble que aún se equivoque en los pasos de baile, que tenga que voltear para atrás a ver que paso sigue.
Intenta hacer algunas acrobacias que le quedan grandes, se ve súper incomoda e insegura, lejos de parece fluida, se ve acortada.
La respiración, bueno, no es nada fácil cantar y bailar, pero para eso te preparas y ella parece que acaba de correr la maratón de Manhattan, se le va el aire.
No vocaliza, no se le entiende cuando canta y para que les digo, la cantidad de desafinos notorios en sus canciones, donde para colmo, hasta falsetes le ponen.
El galán es Victor Noriega. Se ve bien, es guapeton pero no se le cree nada y cuando intenta cantar... CERO.
Dalilah Polanco, a ella la vi en Confesiones de Mujeres de 30 y otras obras cuando era sólo la ex de Derbez y me parecía chistosa, desgraciadamente cayó en su propio cliché y no sabe como salir. No se le escuchaba NADA cuando cantaba y no baila un carajo, lo peor es que trae actitud de diva y eso, no le ayuda nada.
Lorena Velazquez sin duda es una señora guapa que esta en forma a sus 80 años o más, y sé que es sumamente cómica, pero aquí tiene un intento fallido de acento francés que lo único que hace es que no se le entienda ni madres.
El resto del elenco parece sacado del programa ochentero de Anabel Ferreira, esta Juan Antonio Edwards, Ricardo de Pascual y Lupe Velazquez, la secre del Doctor Candido Perez, ninguno de ellos brilla ni canta, ni baila, ni tienen gracia.
Lo peor, si aún pudiera ser eso posible, es la patética "actuación" de Pablo Cheng este sujeto que no hace más que una burla de sí mismo, un papel desangelado, torpe, sin un sólo momento bueno. Sólo hace su estúpido cliche de ponerse las manos en la cara diciendo una frase estereotipada que hace como gay, siempre hablando como "asiático" sin duda, lo peor que puede haber en un escenario.
Don Manolo Fabregas, el hombre teatro, se ha de estar retorciendo de ver tal cantidad de personas sin una pizca de talento junto y sobre un escenario.
Todo el elenco se atropella en los dialogos, se traban, hagan de cuenta que fuimos a ver el 1er ensayo general.
Bailarines. Muchos. Sin carisma, con coreografías X, simples y aún así con atropellos.
Música... La música es grabada, no es en vivo y es muy alta, de por si no hay cantantes en escena, menos cuando el ruido supera las voces.
La escenografía, muy estorbosa, esperaba que en cualquier momento Itatí cayera la escalinata, cosa que cómicamente hablando sería genial.
Las luces entraban a destiempo. Las pantallas que apoyaban la escenografía a veces estaban descuadradas y se veía que eran fotos descargadas de google y en baja calidad.
Hubo 2 cambios de escenografía donde la música termino, las luces continuaban apagadas... ósea empezaron tarde y se hacía un silencio sepulcral en la sala.
Lo más insoportable es que dura 3 horribles, eternas y angustiantes horas y para colmó, me tocó un teatro lleno, con muchas personas de la tercera edad que aplaudieron de pie este bodrío.
La ex de Santamarina se la creyó y hasta en el final, en los agradecimientos aparece como si estuviera a la altura de la anterior Mame del teatro mexicano, la ícono del cine, la Sra. Pinal.
Desgraciadamente el público aplaudió de pie, aplaudió en cada canción y la aparición de cada actor. Como si se trata de Sarandon, Negrete, De Niro, Félix, etc...
Me da tristeza que una obra tan mala como esta tenga una sala llena, cuando propuesta realmente interesantes, con actores reales y con un equipo que deja la sangre en escena, apenas llene un par de filas, a pesar de presentarse en foros diminutos.
Esperemos esta obra no dure mucho en escena y permita a verdaderos actores, usar el espacio para algo que valga realmente la pena o ¿acaso tenemos el tipo de teatro que merecemos??
México muy frecuentemente hace cine que es reconocido en todo el mundo, en festivales como Cannes, Venecia, Toronto, etc... festivales que premian nuevas propuestas y nuevos métodos de contarnos una historia.
La opera prima de Sergio Tovar Velarde ha sido nominada y galardonada por todo el mundo, en Montreal fue la mejor película y en San Sebastián nominada como la mejor película latina, por mencionar algunas.
No sólo eso, sino que se ha generado muchísimo ruido alrededor de esta cinta, lo que esperemos se vea reflejado en la asistencia en salas y es que, creo, no es un producto hecho como Blockbuster, sino me parece un trabajo honesto, lo que tiene más mérito aún.
Las tramas que presenta esta película quedan muy bien identificadas en el cartel, son 4 historias de personas con diferentes edades.
No se trata de cinta de "maricones", ni de afeminados, sin ofender y sin menospreciar, pero esta cinta se enfoca a todos los demás hombres con inclinaciones homosexuales que viven su sexualidad de manera diferente al clásico retrato social, es decir, son personajes fuera de lo estereotipado en cine y televisión.
En Cuatro Lunas vemos el descubrimiento de la sexualidad y como la sociedad apoyada por la iglesia, lejos de tratar de entender se encarga de crearnos culpas.
Afortunadamente también nos demuestra como el amor puede vencer cualquier miedo y permitiéndonos aceptar a los nuestros tal cual son.
Otra historia habla del despertar y descubrir quienes somos. Buscar hacerlo de la mejor manera posible, totalmente honesto y esperando recibir la mejor respuesta.
En caso de no recibirla, no darnos por vencidos. Somos quienes somos y punto.
Las relaciones de pareja entre personas del mismo sexo no son nada diferentes a las heterosexuales, tienen sus altos y bajos, tienen sus dudas y sus miedos.
Tovar nos presenta una historia de dos jóvenes que llevan años de pareja y como es su modo de vida, sin abusar de clichés o de personajes trillados.
Así mismo, nos enseña como muchas veces nos aferramos a lo que creemos debe ser nuestro para siempre y como todo cambia, nada es para siempre.
Tal vez, la parte más compleja de la cinta nos la demuestra en la vida oculta de un hombre maduro que busco saciar, a su avanzada edad, esa hambre de estar con una persona de su mismo sexo, tal vez, por la época en la que él creció no le fue posible llevar a cabo esa "fantasía" buscando llevarla a cabo en el declive de su vida.
Esta última historia, ayuda a entender como a veces, las personas se presentan de cierta manera porque esa es su forma de sobre llevar las cosas. Algunos, no son capaces de enfrentar la realidad ni de actuar como quisieran y otros, hacen lo que sea por estar con su gente, sin importar lo que tenga que sacrificar.
Me gustó mucho que no cae en dramas eternos... si hay escenas de choque pero el director no se clava en ellas.
Una cinta sencilla, linda y que tiene sus puntos de reflexión, sin dejar de lado que lo único que importa es el amor y en estar bien primero con nosotros mismos, después con los demás.
El elenco, muy bien elegido, es una mezcla de actores nuevos con algunos ya reconocidos como el Sr. Echánove, Martha Aura, Karina Gidi, Juan Manuel Bernal y Mónica Dionne.
De verdad, muy recomendable para entretenernos, entender y salir con una idea en la cabeza, todos somos iguales, lo que nos hace diferentes es la manera en la que enfrentamos las cosas.
Ah y ser gay no es malo, ni se pega, ni nos hace tan diferente a los demás.
El señor Pitt lleva varios años haciendo proyectos interesantes, que nos dejan claro que ya es un actor serio y respetable, lo cual considero acertado, por mencionar algunas esta Moneyball, 12 años de esclavitud, El árbol de la vida y Bastardos sin gloria, por mencionar algunos. En esta ocasión Brad presenta "Fury" o "Corazones de Hierro" como la titularon en México.
El escritor de "Día de entrenamiento" David Ayer, dirige a Pitt en una travesía que sucede justo antes de que la 2a guerra mundial termine y la Alemania Nazi sea liquidada.
La historia se centra en un tanque de guerra llamado Fury. Nos muestra la valentía y hermandad de los 5 tripulantes comandados por Don Collier (Brad) y que tienen que enfrentarse al ejercito enemigo con sólo este tanque como escudo y herramienta.
Me parece interesante que la historia no se centra en el nacionalismo estadounidense, como la mayoría de cintas de manofactura gringa lo hacen. En esta ocasión pueden ser de cualquier otro país, lo que se resalta es el respeto a la palabra de un hombre.
La valía que tiene en cada uno de ellos el obedecer ciegamente a su líder, sin importar si están de acuerdo o no.
Shia LaBeouf (Transformers, Ninfomanía), Logan Lerman (Percy Jackson, La ventaja de ser invisible), Michael Peña (Escándalo Americano, El Francotirador) y Jon Berntal (Lobo de Wall Street, Escritor Fantasma) son los 4 soldados bajo el mando de Don y quienes arriesgan todo por la causa y que nos lo hacen sentir de ese modo en pantalla, cada uno desde su modo de ser y de ver las cosas, nos demuestra que son un equipo y eso, es más importante que cualquier otra cosa. El respeto es importante y es lo que le da honor a un hombre.
Como buen producto hollywoodense cuenta con grandes escenarios, muy buenos efectos especiales y fotografía.
Lo más destacable es el guión, nada acartonado, da un sentido de rudeza y comprensión al mismo tiempo, tiene un buen ritmo y no abusan, a Dios gracias, de groserías.
Sorprendentemente fue ignorada por los Golden Globes al no contar con ninguna nominación, se rumoraba que posiblemente fuera la cinta bélica del año aunque aún están pendientes las nominaciones al Oscar, a ver que pasa con Fury o ¿será que se vuelva en la gran olvidada del 2015?
Ojalá que no, porque esta cinta vale mucho la pena.
Una de las cintas que más he oído y que estará presente en todas las entregas de premios es "Boyhood", algunas razones son:
Richard Linklater. Este director y escritor viene de ganar muchos premios en festivales y de estar nominado como mejor guión en los premios de la Academia por "Antes del Anochecer", final de una de las mejores trilogías que se hayan filmado.
Richard también estuvo nominado en la misma categoría por la antecesora "Antes del Atardecer" allá por 2004.
La otra razón por la que se esperaba el estreno en salas de esta historia, es que fue filmada durante 11 años, es decir, la historia abarco más da una década de vida de los actores, con todo y lo que el tiempo implica, detalle que por supuesto le da un toque de veracidad y credibilidad bastante bueno.
La historia básicamente gira en torno a la vida de un niño llamado Mason desde los 5 a los 18 años.
Mason tiene una hermana mayor y sus padres están separados. Durante este viaje, el público es testigo de ciertos momentos que marcan la historia de este niño y el desenvolvimiento del mismo.
La cinta esta nominada a los 5 principales premios en los Golden Globes, que son: Mejor película de Drama, Mejor Director, Mejor Actriz Patricia Arquette, Mejor Actor Ethan Hawke y Mejor Guión Original.
Y no es para menos ya que Patricia e Ethan aunque no son los personajes centrales, son quienes dan un muy buena interpretación en los roles de padres separados y como enfrentan las cosas.
Ellar Coltrane es el niño a quién vemos crecer y tomar decisiones de vida, basado en lo que observa en su casa y en la calle.
Es una película que nos permite ser parte de la vida de los personajes, sus carencias, sus momentos felices y de enojo, de catarsis y ver como las pequeñas decisiones que tomamos dia a dia, forman parte de quienes somos.
Sin duda, Boyhood es una de las mejores cintas que se han filmado, no sólo por la originalidad del tiempo real que refleja, sino por no ser pretenciosa, por no publicar una vida al extremo, todo lo que se presenta en la historia es como en la vida: Un poco de todo.
Eso si, vayan a verla preparados porque dura cerca de 3 horas y tiene algunos momentos un poco lentos, que no restan ritmo a la cinta, pero si puede hacer parecer que el tiempo pasa más lento.
Creo que Birdman tiene una muy fuerte competencia con esta cinta, creo que Patricia podría llevarse el premio a Mejor Actriz por el desarrollo de un personaje tan complejo y completo.
